Davis es un artista claramente definido por su época. Posmoderno en su forma de hacer y de pensar, el artista hace evidente la superación del compromiso moderno con la innovación y la originalidad para dar lugar a la libertad formal y expresiva del ideario posmoderno.    

Su búsqueda pictórica lo lleva a expandir los límites del arte, trasgrediendo las fronteras de la high/low culture para enaltecer el poder del arte como medio de expresión humana.     

     La libertad creativa posmoderna, dada a partir de la fractura de los grandes discursos de la historia del arte y la superación de la idea histórica de progreso, le permite a Davis incorporar elementos de las más diversas tradiciones artísticas y culturales del pasado, dando como resultado un discurso plástico ecléctico y de gran impacto estético.     

     En la iconografía de sus obras se encuentran elementos referentes a cultos arcaicos que enaltecen la fuerza sexual como creadora del universo y de la cultura, combinados con una multiplicidad de símbolos míticos que conforman un discurso que entrelaza constantemente religión y sexualidad. Utiliza formas simbólicas arcaicas y mitológicas donde se nos presentan ángeles, personajes bíblicos, objetos simbólicos y paisajes mágicos, combinando representaciones figurativas con abstractas creando así composiciones donde grandes masas de color y las figuras geométricas crean una dialéctica formal única.     

     Sus precedentes artísticos son el neoexpresionismo alemán donde Davis encuentra en figuras como Kiefer u Oehlen atributos formales, conceptuales, semánticos y estilísticos que expresan y reafirman el sentido de libertad y provocación del arte.     

     El artista utiliza en todas sus obras el formato cuadrado —vinculado desde la Antigüedad a la idea de perfección y permanencia— partiendo del hecho de que estas relaciones numéricas reflejan la estructura armónica del universo; una visión estético-matemática, donde la proporción cobra un sentido místico y simbólico a partir de las relaciones establecidas por la Naturaleza.     

     Se mueve en un fino equilibrio entre la abstracción gestual-geométrica y la figuración en que, sobre una misma superficie coexisten de manera poco usual grandes masas de color y formas que crean paisajes abstractos poéticamente poblados por símbolos de diferentes tradiciones culturales, a la vez que construye ejercicios dialécticos que generan el orden de su universo pictórico. Sus obras poseen tonalidades cálidas e intensa saturación, que recuerdan la fuerza del arte latinoamericano y generan una presencia fascinante donde se combinan el lenguaje formal europeo y la intensidad del color, que nos evoca a varios artistas del muralismo mexicano. Sus obras son el resultado de su propio mestizaje cultural.     

     Davis utiliza en sus pinturas una combinación de diversos recursos pictóricos: aguadas de acrílico, superposición de capas de óleo, empastes, drippings, colages y la aplicación de láminas de oro, plata y cobre. La utilización de estos metales tiene, además de su valor cromático, un valor simbólico y espiritual. Con ello, el artista nos propone la creación de un espacio místico, un canal material para darle forma a lo inmaterial valiéndose de las connotaciones de perdurabilidad y divinidad de los metales que hacen referencia a los retablos medievales.     

     Después de la realización de varios estudios preliminares ejecuta una obra que aborda temas universales, trágicos e intemporales. El artista da mucha importancia al contenido dialéctico de su obra y lo presenta veladamente insertado en una obra que es a la vez explosiva y mística.     

     Davis nos propone una obra carismática, atractiva y hermética invitándonos a experimentar sensaciones muchas veces impactantes que crean un discurso dialéctico entre el expresionismo y el materialismo utópico. De esta manera, el espectador es incitado a develar el misterio del arte a través de una exaltación cuasi-religiosa de la pintura.

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Luján Baudino - Historiadora del arte
agosto de 2006
 

DAVIS, POR ANTONI BATLLES
 

¿Por qué eres o te sientes artista?
      Recuerdo perfectamente que mi primera experiencia estética ocurrió a los 11 años de edad, cuando influenciado por la aparición de la televisión en colores y el rastro de psicodelia en algunos seriales de dibujos animados de los años ‘70, empecé a producir una extensa serie de dibujos de vivo colorido que tuvieron una cierta repercusión en mi entorno familiar y escolar. Desde entonces, esa conciencia artística nunca me ha abandonado.     

       ¿Cómo emerge tu creatividad?
       Mi creatividad emerge cuando hago o no hago algo. En el primer caso, ésta emerge cuando estoy dibujando en mi cuaderno de notas, cuando estoy fotografiando lo que voy encontrando por la calle, cuando estoy visitando un museo, cuando estoy publicando contenidos en mi blog, cuando estoy hojeando un libro de arte, cuando estoy leyendo un periódico o cuando estoy produciendo mi obra. En el segundo caso, mi creatividad emerge cuando, por ejemplo, estoy tumbado en la cama, justo antes de dormir.

       ¿Cuál es el contenido de tu obra?
       En mi primera etapa del desarrollo de mis obras, en los años ‘80, la estética posmoderna continental me influyó mucho, me refiero al neo-expresionismo alemán de Alselm Kiefer, y la transvanguardia italiana de Sandro Chia y Francesco Clemente. Por esa razón el contenido de mis obras, visto en panorámica, estuvo marcado por la relectura de la tradición clásica europea vista desde un punto de vista de «outsider latinoamericano»; el cuestionamiento de la idea de la originalidad y por consiguiente, el gusto por el remake, el rechazo al arte conceptual y la recuperación de los lenguajes artísticos anticuados, como la pintura.
       En esta segunda fase de desarrollo de mis obras, a partir de 2005, empiezo lentamente a descubrir e interesarme por los matices del postmodernismo analítico. Así que el contenido de mis obras puede que vaya decantándose, a grandes rasgos, hacia la transversalidad e hibridación lingüística y por consiguiente, el cuestionamiento de las categorías artísticas, la frontera líquida del High and Low Culture y la elaboración de contenidos subversivos y ocultos con el fin de sabotear algunas normas establecidas en el arte.

       Cítame tres artistas.
      Destacaría 3 artistas contemporáneos, todos ellos con un conjunto de obras impactantes, a saber:
Primero: Albert Oehlen, que en su obra hace una colección de «guiños» de la pintura moderna y que construye un discurso sarcástico sobre la misma.
Segundo: Neo Rauch, que en sus escenificaciones de estilo pop surrealista, presenta personajes en situaciones trágicas que parecen salidos del famoso serial televisivo The Twilight Zone y que podrían evocar al fracaso del proyecto comunista.
Tercero: Manuel Ocampo, artista y pintor norteamericano nacido en Filipinas, que presenta una obra trasgresora y de mal gusto deliberado, que cabalga entre el cartoon político y el Bad Painting, de Philip Guston y que nos propone una crítica salvaje al ideario y a la sociedad norteamericana.

       ¿Qué opinión te merece el mercado del arte?
        El mercado del arte es un mal necesario.

       ¿Qué aporta el arte a la tierra?
       Desde el punto de vista planetario, el arte no aporta nada. Desde el punto de vista humanístico, el arte aporta epistemología, es decir, aporta una forma de aproximarse al conocimiento de lo que somos y de lo que nos rodea y de los diferentes y posibles caminos para llegar a estos diferentes y posibles conocimientos.

       ¿Qué opinión te merece Artistas de la Tierra?
        La web de Artistas de la Tierra es un directorio para descubrir algunos buenos artistas en vías de consagración.

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Entrevista de Artistas de la Tierra (octubre de 2006)